I ritagli di Matisse, spiegati: dipingere con le forbici.

Papiers découpés: dipingere con le forbici

Nel 1941 Henri Matisse, allora settantunenne, subì un grave intervento chirurgico per un cancro. Sopravvisse, ma per il resto della vita fu spesso costretto a letto o su una sedia a rotelle, e stare in piedi davanti al cavalletto diventò difficile. Chiamò gli anni che seguirono la sua seconda vita — e ne passò gran parte con un paio di forbici in mano.

Gli assistenti dipingevano grandi fogli di carta a guazzo nei colori che sceglieva lui. Matisse vi ritagliava le forme a mano libera, senza disegnarle prima, e guidava gli assistenti mentre appuntavano i pezzi alle pareti dello studio, spostandoli ancora e ancora finché la composizione non era giusta. Lo descriveva come tagliare direttamente nel colore e lo paragonava a uno scultore che scolpisce la pietra: disegno e colore nascevano in un solo gesto.

Jazz e i primi ritagli

Matisse aveva già usato la carta ritagliata per progettare grandi composizioni. La prima volta che i ritagli diventarono l’opera stessa fu con Jazz, un libro d’artista pubblicato da Tériade nel 1947: venti tavole a colori con scene di circo, nuotatori, lagune e la figura di Icaro che cade con un cuore rosso, stampate dai suoi ritagli, accanto a pagine di pensieri scritti di suo pugno.

Le forme a cui tornava di continuo vengono da un viaggio a Tahiti fatto nel 1930: alghe, coralli, foglie, uccelli, stelle e nuotatori che fluttuano nell’acqua limpida. Quindici anni dopo le ritagliò a memoria in Oceania, il cielo e Oceania, il mare (1946), forme bianche su fondo beige che coprivano intere pareti del suo appartamento parigino.

I grandi papiers découpés degli anni Cinquanta

Negli ultimi anni i ritagli arrivarono alle dimensioni di intere stanze. Nudo blu (1952) è una serie di figure sedute ritagliate da un unico blu, così semplici da sembrare inevitabili. La piscina (1952) correva lungo le pareti della sua sala da pranzo a Nizza come un fregio di tuffatori blu. La lumaca (1953), quasi tre metri per tre, è una spirale di rettangoli di carta colorata — una lumaca fatta di colore anziché disegnata. Con i ritagli progettò anche le vetrate, i paramenti e le pareti della Cappella del Rosario a Vence (1949–1951), compresa la vetrata dell’Albero della vita.

Matisse morì nel 1954. Sessant’anni dopo, nel 2014, una mostra dei ritagli alla Tate Modern di Londra e al Museum of Modern Art di New York diventò una delle più visitate nella storia della Tate.

Perché un ritaglio di Matisse funziona

Lo stile di Henri Matisse nei ritagli si riduce a poche cose. Le forme sono semplici ma mai geometriche: ogni foglia e ogni alga ha una leggera irregolarità lasciata dalle forbici, che la tiene viva. I colori sono pochi e puri — blu cobalto, nero, corallo, limone, verde — su fondo bianco o di un solo colore. E c’è sempre spazio: le forme fluttuano, così il bianco della carta diventa parte dell’immagine.

È anche per questo che è così facile vivere con i ritagli di Matisse. Sono allegri senza essere carichi, e stanno bene accanto a mobili moderni, pezzi mid-century o semplici pareti bianche.

Disegni a linea, pesci rossi e l’altro Matisse

I ritagli hanno un gemello nei disegni a linea di Matisse. In serie come Temi e variazioni (1941–1942) disegnava lo stesso volto o lo stesso mazzo di fiori ancora e ancora, finché una sola linea continua diceva tutto — il disegno a linea di Matisse oggi copiato ovunque. E prima di entrambi c’era il pittore del colore: il fauve del 1905 e il pittore di Pesci rossi (1912), uno dei quadri di Matisse più amati. Di quel periodo puoi leggere in Cos’è il fauvismo?.

La collezione Matisse in Gold reinterpreta in foglia d’oro tutti e tre i volti di Matisse: ritagli (Golden Seaweed, Golden Leaves on Black, The Golden Tree with Birds, Golden Cut-Outs, Coral Cut-Outs), disegni a linea (The Golden Bouquet, The Lovers, The Woman with a Bird) e quadri (Goldfish in Gold).